1621 – Fallecimiento en Florencia (Italia) del libretista OTTAVIO RINUCCINI. Había nacido en Florencia el 20 de enero de 1562. Fue un hombre noble, miembro de la Accademia Fiorentina y Accademia degli Elevati (academia de los conspicuos). Formaba parte de la corte de los Médicis, para los que, a partir de 1579, participó en la creación de los intermedios efectuados en Florencia. Fue uno de los libretistas de La pellegrina, un drama de Girolamo Bragagli, montado en Florencia en ocasión de la boda del duque Fernando I de Toscana con Cristina de Lorena, princesa de Francia.
Fue el primer libretista de una ópera, cuando colaboró con Jacopo Peri hacia 1590 para la primera ópera (hoy perdida): Dafne, en 1597, montada en la casa de los Corsi. Se repitió varias veces, en ocasión de los carnavales de 1599 y 1600, también en 1604 y 1611, y en la corte de Mantua de los Gonzaga, en 1608.
Inspiró la ópera Dafne, libreto de Martin Opitz y música del alemán Heinrich Schütz y escenificada en Torgau en 1627.
También escribió el libreto de su segunda ópera Eurídice, que es la ópera más antigua que se conserva, y muchos más libretos para otros compositores. Entre 1600 y 1604, Rinuccini permaneció en París donde pudo conocer al Ballet Francés de la Corte. En 1608, Rinuccini trabajó con Claudio Monteverdi con el que hizo Il ballo delle ingrate, y Arianna —ópera perdida, de la que sólo sobrevivió el famoso Lamento—, además de otros madrigales.
Obras con textos de Rinuccini: Eurídice (música de Jacopo Peri); varias arias de Le nuove musiche (música de Giulio Caccini); con música de Claudio Monteverdi: Il ballo delle ingrate, L’Arianna (ópera perdida), El lamento de Ariadna y Madrigales Zéfiro torna y Il lamento della ninfa; otras con música de Domenico Belli, Sigismondo d’India y otros.

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Antonio Tamburini1800 – Nacimiento en Faenza (Italia) del del barítono ANTONIO TAMBURINI. Estudió canto con Aldobrando Rossi antes de debutar a los 18 años en La contessa di colle erbose de Pietro Generali (Cento, 1818). Cantó en Italia, 1824-32, luego se presentó regularmente en Londres y París hasta 1843. Se convirtió en uno de los mejores barítonos de su tiempo. Poseía una hermosa y flexible voz y esto puede apreciarse en la música que fue escrita para él.
Creó innumerables roles belcantístas: en 1820, Violenza e Costanza de Mercadante (Atlante); en 1822, Adele ed Emerico de Mercadante (Generale Banner) y Chiara e Serafina de Donizetti (Picaro); en 1824, L’ajo nell’imbarazzo de Donizetti (Don Giulio); en 1826, Alahor in Granata de Donizetti (rol titular); en 1827, Il pirata de Bellini (Ernesto); en 1828, Alina, regina di Golconda de Donizetti (Volmar), Gianni di Calais de Donizetti (Rustano) y Bianca e Fernando de Bellini (Filippo); en 1829, Il talisamno de Paccini (Riccardo Cuor di Leone) y La straniera de Bellini (Valdeburgo); en 1830, Imelda de’ Lambertazzi de Donizetti (Bonifacio); en 1831, Zaira de Mercadante (Orosmane), Francesca di Foix de Donizetti (il Re) y Edoardo Stuart in Scozia de Coccia (rol titular); en 1832, Fausta de Donizetti (Costantino); en 1835, Marino Faliero de Donizetti (Israele) e I Puritani de Bellini (Riccardo); en 1836, I briganti de Mercadante (Hermann); en 1840,  Lucrezia Borgia de Donizetti (Alfonso); en 1842, Linda di Chamonix de Donizetti (Antonio) y en 1843, Don Pasquale de Donizetti (Malatesta).
ANTONIO TAMBURINI falleció en Niza (Francia) el 8 de noviembre de 1876.

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Modest Mussorgski1881 – Fallecimiento en San Petersburgo (Rusia) del compositor MODESTO MUSSORGSKI. Había nacido en Karevo (Pskov, Rusia) el 21 de marzo de 1839. Vivió sus primeros diez años en la aldea rusa de Karevo situada en una región campesina. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía.
De salud quebrantada y una vida de estrecheces, a su carácter nervioso unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.
A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Mussorgsky como «un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo.
Modest Mussorgsky, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.
Mussorgsk cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre.
El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Mussorgsky pocos días antes del deceso de éste, que en contraste evidente con la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce.
Desde épocas pretéritas Rusia ha sido poseedora de una cultura popular musical abundante. Y aunque en aquellas latitudes desde dos centurias atrás tuvieron auge composiciones provenientes de Francia e Italia, como la ópera de esta última, fue hasta el siglo XIX cuando Rusia inició su propia cultura musical. Singular por su historia y por su carácter, es lo que se denomina «la escuela rusa».
Según algunos especialistas, sin un antecedente que prevea su evolución, el arte musical ruso surgió en pleno siglo XIX y fructificó en un lapso de cinco décadas en que se constituyó como un todo independiente, homogéneo y extenso. El rápido crecimiento de esta corriente musical provoca asombro por las cualidades excelentes de sus obras. Esta música representa una expresión identificada como nacionalista por sus autores, que generaron sus obras a partir de temas originados en los cantos, leyendas y tradiciones dimanados del pueblo.
Entre sus notables exponentes están Mijaíl Glinka, Mily Balákiref, Borodín, César Cuí y Mussorgski, quienes cultivaron con determinación el espíritu ruso. Se autodenominaron «el Poderoso Puñado» (aunque ahora ese nombre se traduce como «el Grupo de los Cinco»), con la particularidad de que eran compositores por afición, ya que convencidos de que no era posible mantenerse económicamente de la composición musical, desarrollaban actividades ajenas al arte pautado.
Borodín era profesor de química en la Escuela de Medicina. César Cui enseñaba fortificación en la Escuela de Ingenieros y Artilleros y fue autor de varios opúsculos sobre esa materia; Músorgski se desempeñó como un empleado sin relevancia y, en consecuencia, su vida estuvo llena de estrecheces económicas, rayana en la miseria, lo que tal vez incidió en su limitada formación musical.
Al mencionar a la música rusa, de inmediato se recuerda su carácter nacionalista. Estilo que incluso cultivaron algunos precursores que desde los primeros escarceos de la música pautada recurrieron al folclore popular, y que plasmaron en las partituras de ópera o en obras instrumentales, al tiempo que en los escenarios líricos empezaban a presentarse cuadros de la vida campesina.
Algunos criticaron a Glinka, Balakirev o a Nikolai Rimski-Kórsakov, de enriquecer su lenguaje artístico con los cantos populares, y hubo quienes contraponían la música llegada de Occidente a la música autóctona de compositores locales cuando Rusia empezó a producir música. Hasta la fecha, en toda la obra musical rusa de primer orden son evidentes los caracteres del nacionalismo.
Ahora bien, los cultivadores de la corriente nacionalista evolucionaron hacia un arte musical libre de convencionalismos que denominaron en aquel entonces «movimiento moderno», en el que la melodía, la tonalidad y el ritmo eran libres, precisamente como en los cantos del pueblo, y Mussorgsky sobresale del grupo por sus audacias musicales intuitivas nunca antes concebidas, o por lo menos expresadas, muy personales de la sensibilidad creadora de este autor, al tomar los elementos populares y aprovecharlos mediante una profunda elaboración; no los transformó ni los adaptó simplemente, sino que les supo extraer la esencia que le habría de servir para manifestar su temperamento y sensibilidad en la mayoría de su obra.
La singularidad de sus composiciones es que no se trata sólo de la expansión de sonoridades, sino que por lo regular se remite a especificar alguna cosa, sean los ritmos del lenguaje hablado o los movimientos de éste. Y así, Mussorgsky es único en su arte, por cierto muy poco difundido en Occidente, indiscutible ejemplo de su raza, de su grupo y de su tiempo.
La música vocal de Mussorgsky evita generalmente las líneas melódicas y el fraseo simétrico y tiende a ajustarse lo más estrechamente posible a los acentos del habla normal. Rasgo destacado de las melodías de Mussorgsky es su carácter modal. Ajeno al uso convencional de la armonía, crea nuevas armonías. El realismo, que constituye un rasgo tan destacado de la literatura rusa del siglo XIX, está ejemplificado en Mussorgsky no sólo en el hecho de imitar la palabra hablada, sino en la descripción musical. Como otros compositores rusos, Mussorgsky construye sus efectos mediante la repetición y acumulación y no por medio de un desarrollo temático.
Su legado musical consta de una treintena de canciones, entre las que sobresalen La habitación de niños (conformada por siete obras que se consideran lo mejor de Mussorgsky, las cuales desde su estreno le aportaron popularidad a su autor); Cantos y danzas de la muerte; La canción de la pulga (con letra del gran dramaturgo alemán Wolfgang Goethe); ocho composiciones corales; la ópera Borís Godunov; el drama musical Jovánschina (en inglés Khovanshchina), El matrimonio (primer acto), comedia musical; La feria de Soróchinsk; las composiciones orquestales Scherzo en si bemol, Intermezzo, Marcha a la turca, Una noche en la árida montaña.

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1896 – Estreno en el Teatro alla Scala de Milán del drama histórico en cuatro cuadros ANDREA CHENIER de Umberto Giordano (1867-1948), sobre libreto de Luigi Illica (1857-1919).
Intérpretes: Giuseppe Borgatti, Mario Sammarco, Evelina Carrera, M. Ticci, D. Rogers, G. Roveri, E. Brancaleone.

Fuente:
Bertelé, Antonio [et alt.] – ENCICLOPEDIA DEL ARTE LIRICO

Libreto bilingüe italiano-español:
Website Kareol – http://www.geocities.com/ubeda2002/andrea/andrea.htm

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1898 – Fallecimiento en Nueva York (Estados Unidos) del director ANTON SEIDL.  Había nacido en Pest (hoy Budapest, Hungría) el 7 de mayo de 1850. Ingresó al Conservatorio de Leipzig en octubre de 1870, lugar donde permaneció hasta 1872, cuando fue requerido en Bayreuth para ser uno de los copistas de Richard Wagner. Allí ayudó a hacer la primera copia original de Der Ring des Nibelungen. Muy imbuido del espíritu wagneriano, es natural que participara en el primer Festival de Bayreuth en 1876. Su oportunidad como director vino cuando, bajo la recomendación de Wagner, fue designado para el Teatro Estatal de Leipzig, donde permaneció hasta 1882, cuando fue de gira con la Nibelungen Ring compañía de Angelo Neumann. Respecto a su estilo de dirección los críticos atribuyeron parte del éxito artístico al asistir a la producción de la Trilogía en el Her Majesty’s Theatre en Londres en junio de ese año.
En 1883 Seidl fue con Neumann a Bremen, pero dos años más tarde fue designado para suceder a Leopold Damrosch como director de la Compañía Alemana de Ópera en Nueva York, y en el mismo año se casó con Auguste Kraus, la distinguida cantante. Fue nombrado director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York en 1891, cargo que ostentó hasta su muerte en 1898. Esta orquesta, bajo su batuta, estrenó la obra más célebre de Antonin Dvorák: la Novena Sinfonía en mi menor, opus 95 llamada “del Nuevo Mundo” el 15 de diciembre de 1893 en el Carnegie Hall de Nueva York.

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Clara Petrella1914 – Nacimiento en Milán (Italia) de la soprano CLARA PETRELLA. Procedente de una familia musical, fue descendiente del compositor Errico Petrella, y nieta de la soprano Oliva Petrella.  Estudió primero con su hermana Micaela, y luego con Giannina Russ. Debutó en Alessandria, como Liù (Turandot), en 1939.  Pronto cantó en toda Italia, haciendo su debut en La Scala en 1947, como Giorgietta (Il tabarro), cantando regularmente en dicho teatro hasta 1962. PETRELLA fue particularmente admirada en el repertorio verista y las obras contemporáneas.  Creó algunos roles en óperas de los siguientes compositores: Ludovico Rocca, Ildebrando Pizzetti, Ermanno Wolf-Ferrari y Renzo Rossellini.
PETRELLA poseía una hermosa voz de soprano spinta, combinada con un explosivo temperamento dramático, fue comparada con la gran actriz italiana Eleonora Duse. A principios de la década de 1950, realizó algunas grabaciones para Cetra: Manon Lescaut, Madama Butterfly, Il tabarro, L’amore dei tre re, Zazà y para Decca, Pagliacci. También apareción en la televisión italiana en producciones de Manon Lescaut e Il tabarro, en 1956.
CLARA PETRELLA falleció en Milán el 19 de noviembre 1987 a los 69 años de edad.

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Anselmo Colzani1918 – Nacimiento en Budrio (Bolonia, Italia) del barítono ANSELMO COLZANI. Estudió en Bolonia con  Corrado Zambelli, e hizo su debut escénico en 1946 en el Teatro Comunale de Bolonia, como el Heraldo en Lohengrin.
Su carrera tomó vuelo con su debut en 1952 en La Scala de Milán, como Alfio (sustituyendo a Gino Bechi) en Cavalleria rusticana, otros roles en dicha sala incluyeron Telramund, Marcello, Escamillo, de Sirex, entre otros. Tomó parte en la creación de David Darius Milhaud en 1955, y cantó el rol de Thoas en Iphigenie en Tauride de Gluck junto a Maria Callas en 1957. También se presentó en Génova, Roma, Nápoles, Palermo, y fue invitado regular de las Termas de Caracalla y de la Arena de Verona.
Fuera de Italia, Colzani actuó en la Opera del Estado de Viena, la Opera de Montecarlo, el Teatro Nacional San Carlos de Lisboa. Hizo su debuto americano en la Opera de San Francisco en 1956, como Conte di Luna, y en la Lyric Opera de Chicago en 1959. Debutó en el Metropolitan Opera de NuevaYork, como Simon Boccanegra, en 1960, otros roles notables fueron: Nabucco, Macbeth, Rigoletto, Amonasro en Aida, Iago en Otello, Falstaff, Barnaba en La Gioconda, Gérard en Andrea Chénier, Scarpia en Tosca, Jack Rance en La fanciulla del west, entre otros.
ANSELMO COLZANI falleció en Milán (Italia) el 19 de marzo de 2006.

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Samuel Ramey1942 – Nacimiento en Colby (Kansas, EE. UU.) del bajo SAMUEL RAMEY.  Estudió música en el instituto y luego en la Universidad estatal de Kansas y en la de Wichita. En el colegio universitario de Kansas, Ramey fue miembro de la fraternidad Kappa Sigma. Después de un tiempo de aprendizaje en la opera de Santa Fe, se trasladó a Nueva York. Su debut operístico en la City Opera de Nueva York tuvo lugar en marzo de 1973 como Zúñiga en Carmen.
Conforme ampliaba su repertorio, realizaba más interpretaciones en teatros europeos, especialmente en la Ópera estatal de Berlín, la de Hamburgo, la Royal Opera de Londres, de Paris, Viena, y los festivales de verano de Festival de Aix-en-Provence; Festival de Glyndebourne, en el que debutó como Fígaro en 1976 y volvió como Nick Shadow (The Rake’s Progress de Stravinsky) en 1977; Festival Rossini de Pesaro, y Festival de Salzburgo.
En enero de 1984, Ramey debutó en la Metropolitan Opera con el Rinaldo de Händel. Desde entonces ha trabajado en La Scala, Royal Opera House del Covent Garden, Ópera estatal de Viena, la Ópera nacional de París, la Ópera lírica de Chicago, la Ópera de Nueva York, y la Ópera de San francisco.
Samuel Ramey goza de una voz espléndida que es capaz de abarcar tanto roles de barítono como de bajo en obras belcantistas y verdianas, así como de Offenbach o Puccini. Su voz tiene la amplitud y la flexibilidad para abarcar todas las demandas que le plantean los roles rossinianos y verdianos, y aun así puede reducirse a las necesidades más ligeras del Fígaro de Mozart.
En el repertorio belcantista, ha destacado como Don Giovanni de Mozart, así como en Las bodas de Fígaro y en las obras de Rossini, compositor en el que se ha especializado: Azur en Semiramide, El barbero de Sevilla, El turco en Italia, (Mustafa en La italiana en Argel); en las de Gaetano Donizetti Anna Bolena y Lucia di Lammermoor así como en I Puritani de Bellini.
Dentro del repertorio dramático, ha sido aplaudido en su representación de “Tres demonios”: Mefistofele de Boito, Faust de Gounod, y La damnation de Faust de Berlioz.
Otros roles dramáticos incluyen las obras verdianas Nabucco, Don Carlo, I Lombardi y Jerusalem; sobresale interpretando los cuatro villanos diabólicos de Los cuentos de Hoffmann (Offenbach). Ha sido Escamillo en la ópera Carmen y Boris Godunov.
Quizá sea su logro más destacado haber conseguido recuperar muchos de los espectaculares papeles de coloratura del repertorio belcantista, en óperas bastante desconocidas, y que se han recuperado gracias a él: Attila (Verdi), Maometto II (Rossini), Don Quichotte (Massenet).
Ramey vive en Chicago e interviene en unas setenta representaciones cada año.
Ramey ha grabado un gran número de producciones, incluidas prácticamente todos sus papeles operísticos así como colecciones de arias y obras sinfónicas, así como discos de música popular norteamericana.
Igualmente, ha aparecido en televisión y en producciones de vídeo del Met, como Carmen y El castillo de Barbazul, de San Francisco Mefistofele, de Glyndebourne The Rake’s Progress y de Salzburgo Don Giovanni.
En 1996, Ramey dio un concierto en el Avery Fisher Hall de Nueva York, titulado “A Date with the Devil” (Una cita con el Diablo), en la que canto catorce arias representatives de su repertorio, y continuó haciendo giras alrededor del mundo. En el año 2000, Ramey presentó este concierto en el Gasteig Concert Hall de Munich. Esta representación fue grabada en vivo y publicada posteriormente en disco compacto en el verano de 2002.

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Website oficial de Samuel Ramey:
http://www.samuelramey.com/

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Serguei Rachmaninov1943 – Fallecimiento en Beverly Hills (California, EE. UU.) del compositor y virtuoso del piano SERGEI RACHMANINOV considerado uno de los últimos músicos de tendencia romántica. Había nacido en Semyonovo (gobernación de Novgorod, Rusia) el 1 de abril de 1873. Es autor entre otras de las óperas: Aleko (1892); Francesca da Rimini (1906) y El avaro (1906). Compuso cuatro bellísimos conciertos para piano, la Rapsodia sobre un tema de Paganini para piano y orquesta, canciones y tres sinfonías. Después de la revolución rusa, Rachmaninoff, que descendía de una familia aristocrática, marchó a Escandinavia, y de allí a los Estados Unidos de Norteamérica, donde se estableció definitivamente.

Fuente:
Jacob, Walter – EL ARTE LIRICO

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Gunther Treptow1981 – Fallecimiento en Berlín (Alemania) del tenor GÜNTHER TREPTOW.  Había nacido en Berlín el 22 de octubre de 1907. Comenzó su entrenamiento vocal en la Musikhochschule de Berlín, y más tarde en Milán con Giovanni Scarmeo.  Debutó en Berlín, como el Cantante Italiano en Der Rosenkavalier, en 1939.  Cantó en la Volksoper de Viena en 1938, como Florestán en Fidelio.  Debutó en la Opera de Munich en 1940, en la Opera de Viena en 1947, y en el Festival de Bayreuth en 1951.
Rápidamente se estableció como uno de los principales heldentenors de su generación, en roles tales como Siegmund en Die Walküre, Siegfried en Siegfried y Götterdämmerung, y Tristan en Tristan und Isolde. Además de los wagnerianos, también abordó otros roles como Max en Der Freischütz, Steva en Jenufa, Canio en Pagliacci, y el rol titular en Otello.
En la escena internacional, se presentó en La Scala en Milán, La Monnaie en Bruselas, el Covent Garden en Londres, el Teatro Colón en Buenos Aires, el Metropolitan Opera en New York, también se presentó en Leningrado y Moscú. Cantó en la Opera de Berlín desde 1961 hasta el momento de su retiro en 1972.

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1983 – Fallecimiento en Cincinnati (Ohio, EE. UU.) del bajo ITALO TAJO. Había nacido en Pinerolo (Italia) el 25 de abril de 1915 y realizó sus estudios en Turín. Hizo su debut en 1935 como Fafner en Das Rheingold en el Teatro Regio de la capital piamontesa. Poco después se presentó en el Festival de Glyndebourne. En 1939 cantó en la Opera de Roma y casi de inmediato comenzaron sus exhibiciones en la Arena de Verona y el Maggio Musicale Fiorentino. El 31 de marzo de 1940 debutó en La Scala con Nina ossìa La pazza pera more de Paisiello. Volvió dos años más tarde para alguna función de Il Barbiere di Siviglia. Su próxima aparición se produjo después de la guerra con el Don Magnifico de La Cenerentola (1947) y el estreno de L’Oro de Pizzetti. En enero de 1948 fue el barón Ochs en Der Rosenkavalier. Regresó en septiembre de 1950 como Dulcamara en L’elisir d’amore, que repitió en esa sala en 1954. Dos años después encarnó a Pistola en Falstaff y en la inauguración de la temporada 1952-/53 fue Banquo en Macbeth junto a Maria Callas. También Colline en La Bohème, Alvise en La Gioconda y el doctor en el estreno para el teatro milanés del Wozzeck, una parte que cantó diez años antes en Roma durante la creación italiana de la obra. En 1954 participó en el estreno de David de Milhaud (Samuel) y en 1955 en el de Il giudizio universale de Tosatti. Sus actuaciones en Milán concluyeron con Troilus and Cressida de Walton.
Tajo cantó Le nozze di Figaro y Macbeth en Edimburgo en 1947 y ese mismo año fue conocido en Londres. En 1948 debutó en San Francisco con La Bohème, siguiendo poco después Il Barbiere di Siviglia y Don Giovanni (Leporello), en 1949 hubo Faust y Don Giovanni (protagonista) y al año siguiente Aida, Le nozze di Figaro y otro Barbiere. Volvió al Leporello en 1952 y en 1953 fue Timur en Turandot. En 1956 cantó Dulcamara y Colline. En 1951 se presentó en la Opera de París (varios títulos con la compañía del San Carlos de Nápoles) y en 1960 fue Don Giovanni en Viena. El debut de nuestro bajo en el Metropolitan Opera se produjo el 28 de diciembre de 1948 con el Don Basilio rossiniano siguiendo de inmediato el Figaro de Mozart, Dulcamara, el protagonista de Gianni Schicchi y Colline. Esa primera etapa con la compañía finalizó en 1949 con el Mefistófeles de Gounod. Regresó allí en 1976 para papeles como Talpa en Il Tabarro, Simone en Gianni Schicchi, el sagrestano en Tosca, Alcindoro en La Bohème, el burgomaestre de Werther y alguna función del protagonista de Don Pasquale.
Tajo dictó clases de actuación e interpretación mayormente en los Estados Unidos.

Fuente:
Patrón Marchand, Miguel – CALLAS y 99 CONTEMPORÁNEOS